After more than eight years of teaching, I had to learn to distinguish the different types of beginners. Indeed, a beginner can begin in dance (have no basis at all) or in the specific style I teach (starting with dance basics or mastery of one or more styles). 

The fact is that it can be difficult to mix these two groups because their background, their references and their quest are different. It happens that introductory beginners find themselves totally lost in a "beginner level" class because of the presence of those (that I will call the "beginners in style") who already possess a better understanding of movement and musicality. However, what is often forgotten is that : just because someone is considered "advanced" in a dance style does not mean that they can start at the advanced level of a new style...

Good! Now, how do you manage all this so that everyone can find their own way? 

I will give my two-cents’ worth understanding that could be useful for beginners or for those who teach beginners: 

1. BASICS

These are necessary and mandatory to explore with all students. Don't skimp on it under any circumstances, under any pressure. No one (even the advanced ones) has  practiced his foundations "too much". Teachers, let's take advantage of the first sessions to work the basics thoroughly, adding on, if need be, levels of difficulty which will be presented as challenges for those who wish to push themselves. This allows you to work the exercises that develop and solidify their bases, while giving you time and space to see the ABC of movement (right, left, weight transfer, etc.) with those who have never danced before or who lack techniques. 

Dancers, do not think that working the basics demeans you. On the contrary, it pushes you to acquire the "mastery" of your movements.

2. PRACTICE. 

Practice makes perfect! An often-said expression that we use without really appreciating its accuracy. Reviewing, alone or in small groups, the learned notions/movements,  is an effective way to get to know yourself, to understand how you move and to really assimilate knowledge. Teachers, encourage your students to practice outside of the classroom sessions! Because that is the key to develop other skills as well as to evolve in learning one's own body. It's unavoidable, even for the "pros." This is where progress begins and, above all, where self-confidence is built in a dance style. 

3. THOUGHTS

I realize that : when I think a movement is very difficult, and warn students to prepare for it, the vast majority do not get it, indeed. 

On the other hand, when I simply show the movement (sometimes even without dissecting it), the majority is totally available mentally and tries to do it - successfully, most of the time... The mind can be so much more powerful than we realize! I have concluded (got proof!) that everything can be learned. I also learned that "doing" is much more effective than "thinking about doing". Dancers, don't think too much, get into the movement!

4. COMPARISON

In the kingdom of the blind, the one-eyed is king. I have observed that some teachers tend to leave the learners who "do better" alone (because there are worse cases in the room). Some, on the other hand, tend to ignore those who completely fail at executing, as if there was no hope (I exaggerate a little!). However, as teachers, we must challenge ourselves to accompany those who stuggle in what we’re teaching while bringing those who do better to surpass themselves. 

Indeed, there is always something to work on, always a second degree of execution to explore. Similarly, there is always at least one small success to achieve, for a beginner. Always. Point it at them and tell them what the next step is. Dancers, do not hesitate to ask questions and above all, don’t rest on your laurels. No matter what your level is, you can always become better!

Teaching is an apprenticeship in itself. Teaching beginners, and even taking beginner courses, allow me personally to question what I have learned and get back to the essence of things. Through beginner courses, we become better teachers and, inevitably, better dancers.

Véroushka Eugene

September 25, 2018

Comment bien suivre un cours de danse?

Prendre un cours de danse est sans conteste un grand acte de courage et de dépassement de soi. En effet, que l’on soit déjà danseur ou que l’on commence à peine à s’y verser, on ne sait jamais comment notre cerveau va réagir. Je parle bien du cerveau car c’est grâce à lui - ou à cause de lui, trop souvent - que notre corps répond positivement ou pas à l’information reçue.

Pour avoir pris des cours pendant plus de 25 ans (eh oui, dit comme ça j’ai dansé pendant plus d’un quart de siècle!), je me rends compte que certaines «qualités» sont requises pour faire d’un cours un bon laboratoire de découverte d’un style et de soi-même ainsi qu’une opportunité d’exploration physique et mentale de ses capacités. Voici quelques conseils(mon avis )

1- Avoir l’intention d’apprendre

L’intention est un élément primordial dans toute action posée et la danse n’y échappe pas. Prendre un cours sans intention d’apprentissage conduit souvent à :

• un manque d’écoute (on fait ce qu’on connaît, on n’intègre pas les directives données ), 

• à de la frustration (on peut trouver le cours trop lent ou trop rapide) 

• à une confortabilité (on ne questionne pas ses acquis, on ne va pas tester plus loin)

• à de la souffrance (on regrette d’être venu, on se sent moche)

• à la sensation d’être jugé (on a peur d’essayer et de se planter. On pense à ce que les autres voient)

Dans tous les cas, il y a absence de progrès.

Une bonne façon de s’assurer d’avoir une intention est de se fixer un ou des objectifs d’apprentissage que l’on gardera en tête tout au long du cours.

2- Finalement je pense que nous avons vu la règle d’or ci-dessus! Oups! 

Ne soyez pas surpris! L’ouverture à l’apprentissage et la disponibilité mentale sont des composantes essentielles de l’intention d’apprendre. Si notre cerveau est monopolisé par des idées et des préoccupations autres que notre investissement dans le mouvement, le corps rencontre de nombreux blocages. Que l’on se répète «Je n’y arrive vraiment pas, merde!» ou «Haha, y en a qui s’en sortent vraiment pas» ou encore «Moi c’est facile pour moi», on n’apprend pas. On ne progresse pas.

Je vous invite, et je m’invite aussi par là même, à prendre des cours pour progresser et débloquer de nouvelles aptitudes, pas pour confirmer ou infirmer le talent. Tout s’apprend! Et la danse n’y échappe! Heureusement.

Véroushka Eugène

Rédigé le 18 septembre 2018

Je danse tous les jours. Plus ou moins 30 heures par semaine. Pas étonnant donc, me dit-on, que je sois souvent blessée. Toutefois, les questions qui m’intéressent aujourd’hui visent une analyse plus profonde.

Étant blessée, j’ai l’impression de subir le regard désapprobateur des autres danseurs ainsi que des enseignants. Est-ce seulement dans ma tête ou y a-t-il réellement de la désapprobation de la part des non blessés? S’il y a vraiment désapprobation, est-ce parce que les autres croient qu’il s’agit d’un prétexte pour ne pas travailler ou que je ne suis pas assez forte pour éviter les blessures? C’est possible, dans ce milieu. Et si ce n’est que dans ma tête, est-ce parce que moi-même je le vois comme un signe de faiblesse et de mauvaise qualité de danse? Ça oui, certainement! Car même s’il s’agit effectivement de désapprobation de la part des autres, le jugement le plus impitoyable vient indubitablement de moi.

Pourquoi le fait d’être blessée en danse me donne-t-il un sentiment d’infériorité et, plus bizarre encore, de culpabilité?

En effet, je constate que je m’en veux d’être blessée et de devoir arrêter de danser, même pour un temps limité. J’ai l’impression d’être lâche, de manquer mille choses et de stagner alors que tous les autres progressent. Je me sens également coupable de ne pas être utile à mes élèves, professeurs, coéquipiers et chorégraphes. C’est pourquoi, même alors que je ne suis pas totalement guérie ou que je souffre énormément, je défie la douleur. Cependant, non seulement mon mal reste-t-il latent ou s’aggrave, mais en plus, d’autres blessures se créent à force de compensation.

Cela fait maintenant un an que je mijote ces réflexions, car j’ai pris conscience de ma relation malsaine à la douleur. Le pire, dans mon cas, est que j’ai longtemps travaillé avec des gens «comme moi» qui m’ont, malgré eux, confortée dans cette maltraitance de mon corps. Ceux qui, comme moi, pensent: «tu peux marcher, tu peux donc danser!». Il s’agit de guerriers sans pitié pour leur propre corps qui voient la douleur comme un obstacle à dépasser, une épreuve qui atteste de notre valeur. Au-delà du milieu de la danse, j’en connais beaucoup qui se tuent au travail pour les mêmes raisons. Quoi qu’il en soit, c’est à force de travailler dans une telle mentalité que j’ai développé ce que j’appelle aujourd’hui «le complexe du cheval blessé».

Dans certaines contrées, un cheval n’a de valeur que pour sa capacité physique à gagner ses courses ou à contribuer activement à la ferme. Lorsqu’il est blessé ou invalidé, ce cheval est dans la plupart des cas - à regret, bien entendu - mis à mort. En effet, il coûte cher à nourrir et à soigner, en plus d’occuper une place qui pourrait être attribuée à un spécimen/individu de plus grande valeur. J’ignore ce que ressent un cheval blessé; s’il est désappointé ou s’il est soulagé de pouvoir enfin arrêter, même si c’est par la mort. Je ressens seulement le regard qui lui est jeté ainsi que sa peur face à la douleur et à l’impuissance. Son impression que ce moment sera le dernier de sa pratique.

Danser a pour moi une importance capitale aussi bien physiquement que mentalement. Je me définis, me découvre et me comprends par rapport à ma capacité à le faire. Ce, depuis aussi longtemps que je me souvienne. Je fais donc face à un énorme vide lorsque je suis forcée d’arrêter. Par contre, j’ai pendant trop longtemps imposé à mon corps mes peurs et auto-flagellations mentales sans jamais l’écouter en retour. Je l’ai trop longtemps traité comme mon cheval de course.

Je prends conscience du fait que mes blessures viennent des confrontations de longue date entre mon corps et mon cerveau qui ont chacun leurs objectifs propres et ne parviennent pas à se les communiquer dans le respect. À cette date, je veillerai à ce qu’ait lieu cette conversation à chaque fois que je veux danser et, surtout, à ce qu’aucun intrus ne vienne influer sur nos décisions concertées.

Véroushka Eugène

Petit article intéressant à lire concernant la réalité d’un cheval blessé: https://www.sciencesetavenir.fr/animaux/chevaux/pourquoi-faut-il-souvent-abattre-un-cheval-victime-d-une-fracture_102915

Rédigé le 31 octobre 2018